Para abordar el documental en primer lugar será preciso mencionar que no pretendemos dar una respuesta ni crear una definición de arte (ya que ni los propios artistas pueden hacerlo) pero sí nos gustaría explicar aquellas características que comparten todos aquellos que crean o inventan distintas formas de entender el arte, empapados por una cultura. En primer lugar, comenzaremos explicando y haciendo referencia a algunas de las definiciones sobre “cultura” a las que se hacen referencia en el video:
La primera de ellas entiende por cultura “la reacción de ti mismo sobre la sociedad”, sin embargo el riesgo de esta definición es la crisis de identidad que puede ocasionar en el conjunto de la población. Esto es así porque no todas las personas perciben o entienden la cultura o el arte de la misma manera, excluyendo de serlo lo que no responde a sus propias pautas o aquello que les han aprendido como arte. Por tanto la creatividad puede verse afectada y limitada ante la aceptación del exterior.
La segunda de las definiciones interpreta como cultura “todo lo que no se hace por dinero” ya que en el momento que se hace por dinero pierde la esencia que conlleva querer aprender, saber esperar un buen resultado final y equivocarse para volver a intentarlo. Cuando se hace para obtener algún beneficio pasa a formar parte de un mercado, en el que se puede confundir esa esencia de la que hablábamos con el precio que a recibido esa creación. Asimismo, cuando el arte está moldeado y creado para un mercado, no existe cabida para lo humano es decir, la propia imperfección o errores que podría cometer el artista quedan sustituidos por unas pautas muy precisas que se limitan a satisfacer a un determinado público. Sin embargo, y de manera contradictoria, cuando ciertos artistas crean obras en base a ello, su influencia en la sociedad no tiene el mismo impacto y la aceptación por el público pasa a ser muy trivial.
En línea a todo lo anterior, se puede afirmar además, que los artistas con mayor reconocimiento social (aquellos que han dado rienda suelta a su propia creatividad) nunca han contado con el reconocimiento de un publico contemporáneo, sino que más bien la captación y apreciación por ese arte como único, personal y con estilo propio es valorado con el paso del tiempo. Otro rasgo que suele definir a grandes artistas, es además la falta de atención y aprobación por parte de su lugar de origen. Por tanto la cultura, que lleva implícito el arte, de alguna forma contribuye a “entendernos, nos construye y construirnos” y se ve expuesta a unas determinadas condiciones de vida sociales que van transformándose con el paso del tiempo. Por eso mismo es necesaria una cierta implicación social por parte de los artistas para reivindicar aquello que no funciona, tratar de romper ciertas reglas, independientemente de lograr triunfar o no, se trata de formar parte de un tiempo preciso e involucrarte con lo que sucede en él. Para conseguir esto son precisas dos condiciones que definen y caracterizan a un buen artista; la primera es que requiere de antemano una mirada interna para ser capaz de conocerse a si mismo, con el objetivo posterior de analizar y saber captar lo que sucede en su entorno bajo una mirada critica. Posterior a estas dos condiciones podrá aparecer la aceptación de ese exterior, pero como mencionábamos antes, esto no es tan primordial.
Por otro lado, y no solo haciendo referencia a los artistas propiamente reconocidos, todos los individuos de una sociedad deben sentirse capaces para crear cultura por medio de la participación social ya que a todos les influye lo que sucede en el exterior. Sin embargo, se abre aquí otra contradicción referida a lo dicho anteriormente ya que para que esta capacidad pueda darse y que no quede en “saco roto” es preciso el reconocimiento (como mínimo de ciudadanía) de ese algo exterior para que posteriormente se acepte o perciba como “bueno” o como arte; ¿sería posible que exista algún Picasso, que él mismo no conozca sus propias capacidades? Por otro lado, resulta curioso mencionar el escaso papel de mujeres artistas a lo vinculado sobretodo a un pasado machista en el que estas carecían de reconocimiento social, por lo que podemos afirmar como el arte también se ve condicionado y obstruido por las propias exclusiones y limitaciones que una determinada sociedad establece hacia determinados grupos o individuos.
Para comentar a comentar el documental refiriéndonos a Pablo Picasso y su trayectoria, partimos de una cita del propio artista; "¿Qué es el arte? Si lo supiera, tendría buen cuidado de no revelarlo." Con ella queremos matizar la idea de que no vamos a tratar de definir arte sino que pasaremos a analizar los aspectos de la vida de Picasso que le llevaron a convertirse en uno de los mayores genios de la pintura del siglo XX, y donde muchas de sus obras pasaron a transformarse en símbolos sociales.
Al igual que todos los grandes de la literatura, escultura, pintura etc. Pablo Picasso, despertó su admiración por el arte por medio de su padre (pintor de prestigio que impartía clases como profesor en la escuela de San Telmo de Málaga) quien estableció ese primer contacto entre el artista y la pintura. Por tanto, Picasso recibió y fue capaz de descubrir este valioso obsequio desde muy joven, como fruto del conocimiento previo de dicho legado por parte de su padre. A pesar de ser este quien le transmitió y fomentó el “don” de la pintura, Pablo Picasso siempre sintió mayor admiración y ternura hacia su madre "cuando yo era pequeño mi madre me decía: Si te haces soldado llegarás a general, si te haces cura, llegarás a ser Papa. En cambio de todo eso decidí ser pintor y me convertí en Picasso." Esta predilección también le influyó de manera notable en su trayectoria artística, ya que siempre fue un hombre que demostraba en sus dibujos su fuerte sensibilidad hacia personajes vulnerables (transeúntes, animales, minorías etc.) Esta capacidad de Picasso para sentir empatía por las personas mas desfavorecidas lo transmite en sus pinturas a través de su, ya conocida, originalidad abstracta.
Es sabido que Picasso fue además un niño precoz, realizo su primera obra a óleo con tan solo ocho años y ya desde entonces mostraba su interés hacia personajes populares. Con esto podemos afirmar que su capacidad de explorar lo común y el mundo en el que se veía inmerso surgió en edades muy tempranas, lo cual le otorgaba ventaja para abrir paso a su originalidad y empaparse de ese legado. Esto trae consigo la capacidad de soportar la tensión del miedo al fracaso ya que, con ocho años, desconoce del efecto y acogimiento que pudieran recibir sus obras en la sociedad de la que formaba parte.
Posteriormente continuó pintando corridas de toros, además despertó en el un sentimiento anarquista debido a la injusticia reinante que se manifestaba en los varios de Barcelona cuando estuvo viviendo allí. La miseria, la violencia los soldados enfermos y heridos que regresaban de la Guerra de Cuba, lo que impregno al artista a un nivel individual y moral más que puramente político. Por lo que en alguna ocasión llego afirmar "La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos, es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo". Por tanto se percibe como a través de la pintura le fue posible establecer una relación entre el exterior y cómo se posicionaba de acuerdo a este es decir, el mundo no solo influye en el artista sino que se convierte en un arma de protesta y reivindicación ante lo que no considera justo. Al mismo tiempo algunos escritores y pintores (con estilos diferentes al de Picasso) creaban literatura con la misma intención, de esta manera vemos como es posible generar múltiples respuestas ante una realidad que no pasa indiferente ante la creatividad de los artistas. Como se hace alusión en el documental, podemos señalar que el origen del arte es cambiar el mundo en el que se ve inmerso y que, por tanto, no es inocente.
Por otro lado Pablo Picasso, como todos los artistas, pasó por diferentes etapas de transición en su pintura las cuales se vieron influenciadas por distintos pintores. La primera de ellas se conoció como “época azul”, en ella se percibe un cierto toque nostálgico, por lo que se vio estrechamente influenciada por artistas mas melancólicos como es e caso de; Van Gogh o Gaugui. La siguiente etapa fue denominada “época rosa” donde, impregnado por una actitud más alegre y afectiva, tomo como referente su admiración hacia El Greco (el cual sentía gran predilección por su esposa). Además la pintura de este constaba de figuras alargadas lo que Picasso utilizó para hacer referencia al mundo del zoológico y del circo. Sin embargo la personalidad y originalidad que desprenden las pinturas de Pablo Picasso son más abstractas y reflejan un estilo propio y único (como sucede con todos); "desde niño pintaba como Rafael, pero me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño". Asimismo este pintor refleja diferentes influencias en sus obras como; africanas, de frescos medievales, pinturas egipcias etc. Sin embargo fue el cubismo lo que marcó el fuerte estilo y personalidad del pintor, convirtiendo en casi suya esta tendencia. Por otra parte, su sentimiento pacifista se expresa en los cuadros de Picasso posteriores a la Segunda Guerra Mundial, en los cuales refleja una pincelada de alegría.
Guernica y pacifismo
A continuación pasaremos a referirnos al cuadro de Pablo Picasso al que se hace referencia con mayor exactitud en el documental; “El Guernica”. El autor siempre manifestó su ideología comunista y por tanto su rechazo hacia el golpe de estado franquista, describiendo a Franco como una figura malvada y grotesca en obras como “Sueños y mentiras de Franco”. También, a raíz de estas posiciones políticas, mostró ser un hombre con una fuerte inclinación pacifista y contrario a todas las guerras.
Su compromiso con el partido comunista también le hizo desear un cambio social (como el que pretendían los profesores con las misiones pedagógicas para alfabetizar a la población) por medio de la literatura o el arte. Es decir Picasso pretende encontrar un cambio en lo real a través de lo simbólico (sus obras). Por tanto, la función que pretendían los Museos era instruir al pueblo, para erradicar la lucha de clases entre las élites y la clase obrera o trabajadora (a la que Picasso siempre trataba de otorgar voz a través de sus cuadros).
Anterior a la guerra civil española existía en España la Segunda Republica, esta era la representante del pueblo y por tanto de sus logros. El arquitecto catalán Josep LLuís Sert pidió a Picasso la realización de un mural para esta Republica, ya que se enfrentaba a una posible derrota por los Nacionales de Franco (apoyados por la Alemania nazi y la Italia Fascista). Pablo Picasso fue invitado ha convertirse en el director del Museo del Prado por Manuel Azaña (presidente de la Republica) para realizar dicho encargo propagandístico. El artista, por su parte, no estaba muy seguro de llevarlo a cabo hasta que se produjo un brutal bombardeo en la localidad de Guernica (por la alemana Legión Cóndor a petición de Franco). Este acontecimiento fue la fuente de inspiración para el artista, quien siempre se manifestó contrario a la violencia; “La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando."
Esta fuerte carga cultural empapaba a otros países como Alemania, mientras que en España no se apreciaba e incluso estaba perseguido. Otros intelectuales del mundo de la literatura (además de no poder ser nombrados) también fueron perseguidos, exiliados e incluso fusilados, probablemente por la libertad de expresión reflejada en el arte a la que sentían la necesidad de acallar y recluir los dictadores de aquel momento. La carga de violencia y atrocidades que se estaban aconteciendo en todo el mundo emprendía fuertemente sobre estos grupos ya que el arte no es inocente y siempre ha pretendido dar voz a los grupos o clases más vulnerables y obreros, debido a las injusticias que se acometían hacia ellos. Además de que el arte siempre se ha entendido mejor desde posiciones de izquierdas, cabe destacar que Franco y Hitler eran un guionista y un pintor frustrados, por lo que su recelo ante grandes escritores y pintores era aún mayor. Como consecuencia de todo ello podemos afirmar, por tanto, que el Guernica llego en un momento en el que la sociedad no estaba preparada para apreciarlo sino para ser sometida y manipulada. A pesar de ello, el punto de mira de las aviaciones eran los museos, donde se encontraba el tesoro del pueblo, el cual debía ser protegido por encima de todo ya que se entendía que esas obras de arte serian irrecuperables si se destruyesen y no habría otras iguales (buenas sí, pero no las mismas).
A pesar de ello, cuando Picasso lo pinto ese símbolo de libertad de las victimas de todas las guerras, la gente lo admiraba en silencio. El poder de un símbolo “lo dice todo” y a pesar de la situación que se vivía en la segunda guerra mundial, las personas eran capaces de sentir esa forma de expresión. Por tanto en lo referente a lo dicho anteriormente no todo el mundo es capaz de apreciar el arte de la misma manera, pero el poder de ese símbolo no pasa desapercibido, Picasso incluso llegó afirmar; "Yo no evoluciono, yo soy. En el arte, no hay ni pasado, ni futuro. El arte que no está en el presente no será jamás."
Para acercarnos un poco más a la mirada de los entendidos en apreciar y estudiar este tipo de cultura, pasaremos a analizar el significado de las piezas que componen el Guernica:
En primer lugar apuntar que lo que trato de reflejar Picasso, fue el sufrimiento del pueblo vasco ya que siempre ha sufrido una separación, un maltrato y un aislamiento con respecto a España. La mujer que aparece quemándose representa el dolor y sufrimiento de la guerra, la otra mujer plasmada trata de escapar de los bombardeos (sirve de metáfora aquellas personas que no les quedaba mas remedio que huir del país). La mujer del quinqué se interpreta como alegoría fantasmagórica de la Republica.
En segundo lugar, los animales que aparecen en la pintura de Picasso también demuestran ese conflicto social entre España y el País Vasco; el toro y el caballo que representan la fortaleza y dominación (de las personas de España) frente a la persecución y debilidad (de las gentes del País Vasco).
El guerrero muerto puede interpretarse como un rayo de esperanza (al sostener con su brazo una espada rota y una flor). El otro hombre que aparece implorando, está inspirado en el cuadro de Goya “El tres de mayo de 1808 en Madrid” y es una forma artística de decir “basta de guerras”.
La paloma por su parte, es considerada como símbolo de paz rota. Asimismo la bombilla es relacionada con la propia bomba (como símbolo del avance social y al mismo tiempo destrucción masiva que conllevan las guerras modernas). Por otra parte, la casa en llamas resalta la expresividad en la configuración de cada uno de los personajes a través de simples líneas. Y por último, la flecha oblicua simboliza la elevación del espíritu fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos.
Para finalizar con el análisis de esta pintura abstracta, es importante apuntar la importancia de esta hacia la reapertura de la nueva etapa franquista, el arte moderno. Y por ello y el por el significado que el propio Guernica contenida, Picasso solo quería que este cuadro estuviese en España si se implantaba la democracia de nuevo es decir, si volvía la República. Al morir Franco, se recuperaron numerosas obras de arte y junto a ellas el cuadro que representaba la paz mundial. Fue además una época de profundos cambios en lo social, ya que la juventud se comenzaba a alargar (a causa de la represión sufrida anteriormente).
Con este análisis, vamos a marcar algunas de las diferencias que pueden existir entre los artistas inspirados por su propia creatividad, saben esperar el resultado y se instruyen a partir de lo que aprenden (su propio mundo, otros artistas etc.) En primer lugar, aquellas personas que se inclinan por el arte como una forma de conseguir reconocimiento social, fama o beneficios contribuyen a que se siga realizando un tipo de arte capitalista que, sin mirar más allá, otorgan la categoría de “bueno” a aquello que le han dicho que lo es. Este puede ser uno de los motivos por lo que Picasso, hoy en día, ha pasado a ser una marca de coches reconocida y este tipo de artistas estén muy lejos de conseguirlo.
Por tanto carecen de ese conocimiento previo para reconocer y diferenciar el arte como cultura (virtud) del arte como mercado (presupuesto). Este último es entendido como una nueva forma de conseguir poder con respecto al resto de la sociedad, ya que dinero, coches o casas pueden poseer la mayoría, pero a este “tesoro” solo algunos. De esta manera se esta fomentando a que siga existiendo esa distinción de clases sociales que pretendía erradicar la República y que, a su vez es tan reclamada por las grandes élites.
Nadie que no conozca el arte puede hablar de él, es preciso mirar lo que se puede llegar hacer a través del conocimiento de un legado. A partir de ello se podrá; crear, rechazar, criticar, continuar, aceptar,... pero es preciso conocerlo para poder innovar y ser original, como lo hizo el gran Pablo Picasso.
No hay comentarios:
Publicar un comentario